60 ans de la Biennale de Venise

Miroir du temps et lanceuse de tendances dans le monde de l’art: La Biennale de Venise.

C’est en 2001 que le pape Jean-Paul II a ému les esprits à la Biennale de Venise – ou plutôt une sculpture grandeur nature du pape alors en fonction, modelée de manière trompeuse. Jean-Paul II se tordit au sol, écrasé par une météorite. Dans le plafond au-dessus de lui, un trou bâillait, des éclats de verre étaient éparpillés autour de lui. Aucune œuvre de la 49e exposition internationale d’art n’a été représentée presque aussi souvent que l’œuvre d’art de l’italien Maurizio Cattelan, aucune autre n’a agité les esprits de la même manière. Sans cette œuvre hyper-réaliste dans un ancien entrepôt de l’Arsenale, l’ancien port de guerre de Venise, l’exposition d’art, qui a lieu tous les deux ans, n’aurait probablement pas attiré 350’000 visiteurs. Il y a une bonne dizaine d’années, il n’y en avait même pas le quart. 

Des typographes provocateurs

Fondée en 1895, la Biennale de Venise – la plus ancienne et la plus grande du monde – a toujours été et est toujours un miroir de l’actualité artistique, elle est à la fois une scène, un chauffe-eau instantané, une compositrice de caractères et un baromètre des tendances. En 2001, la grande exposition était devenue depuis longtemps un événement médiatique au cours duquel un artiste comme Maurizio Cattelan jouait habilement sur le clavier de l’attention. La sculpture «aurait également pu venir à l’esprit d’un spécialiste de la publicité actif dans le monde entier», écrit Robert Fleck, connaisseur et commissaire de la Biennale, dans son histoire de l’exposition d’art.

Toute l’excitation

Au cours des dernières décennies, la Biennale de Venise a montré comment l’art est devenu un générateur international d’excitation et d’événements, car aucune des grandes expositions mondiales n’attire un public international aussi proche qu’elle. Alors que dans les années 1980, ce sont presque exclusivement des artistes d’Europe et d’Amérique du Nord qui ont été présentés dans les Giardini, dans le nouveau millénaire, ce sont des artistes de tous les continents. Rien qu’entre 1990 et 2001, 36 nouveaux pays – de l’Arménie à Singapour – avaient créé leur propre pavillon national, oui, en seulement dix ans, le nombre de pays participants avait doublé. 2001 a également été l’année où l’Afrique noire a fait sa première grande apparition sur la scène artistique occidentale avec sa propre exposition. 

Globalement

La mondialisation avait atteint ou anticipé la scène artistique. La longue histoire de la Biennale en tant que miroir et carte de visite des événements artistiques euro-américains avec son langage formel déterminant était ainsi irrévocablement terminée. 2001 marque une césure un peu comparable à celle de 1948, généralement considérée comme la plus conséquente de l’histoire de l’art. Après la coupe à blanc de la Seconde Guerre mondiale, la première biennale d’après-guerre est devenue une source d’information pour les artistes de l’après-guerre, qui ne connaissaient souvent guère les développements artistiques dans les décennies qui les ont précédés. 

Très impressionnant

La redécouverte de l’art moderne à la Biennale de l’époque n’était rien de moins qu’un coup de grâce. Une grande exposition sur l’impressionnisme a été canonisée comme le début de l’histoire du développement de la modernité, le Grand Prix de peinture a été décerné à Georges Braque; Marc Chagall et Pablo Picasso, entre autres, ont exposé à côté de lui dans le pavillon français. Mais la nouveauté révolutionnaire de la Biennale de 1948 a été la collection de Peggy Guggenheim, qui a joué un rôle déterminant dans le destin de la Biennale jusque dans les années 1970. La riche Américaine avait constitué une collection qui reflétait sans faille le développement de l’art du XXe siècle. Parmi les œuvres des artistes réunis (le plus souvent des hommes), il y avait aussi celles d’un peintre plus jeune qui allait marquer durablement l’art des décennies suivantes: Jackson Pollock. Le peintre abstrait devait contribuer de manière décisive à ce que la focalisation artistique sur Paris soit bientôt remplacée par celle sur New York. Officiellement, cela a été fait lors de la 32e biennale d’art en 1962, lorsque le Grand Prix de peinture a été décerné à Robert Rauschenberg, c’est-à-dire à un artiste pop-art qui utilisait pour son art des motifs issus de la publicité et des médias de masse. Pour la première fois depuis 1948, le Grand Prix ne s’est pas déroulé à Paris, mais à New York, «un triomphe de la jeunesse, de la nouveauté et pour les centres artistiques extra-européens», comme l’écrit Robert Fleck. 

Protestation artistique

Le prix décerné à Rauschenberg a mis fin à une période de stagnation après que la Biennale de Venise eut été largement concurrencée dans les décennies d’après-guerre par la création d’autres grandes expositions d’art telles que la Documenta de Kassel ou la Biennale de São Paulo. En 1968, les étudiants révolutionnaires n’exigeaient rien de moins que la suppression des pavillons nationaux et la suppression du statut de la Biennale, qui remonte encore à l’époque de Mussolini. En 1974, toute la Biennale a finalement été consacrée au Chili – en signe de protestation contre son dictateur Augusto Pinochet.

Légèrement surpolitisé

L’expression artistique et la protestation politique étaient et sont souvent inextricablement liées à la Biennale. C’est à peine plus vrai que dans les années 1970. Dans la phase de surpolitisation de l’époque, la Biennale de 1980 a frappé comme une fusée. Dans l’ancien entrepôt de sel de Zattere, de jeunes artistes ont montré des collages de style jamais vus auparavant. Des couleurs vives, des contenus narratifs et des gestes expressionnistes ont rompu avec la rigueur auto-imposée de l’avant-garde de l’époque. La star des nouveaux sauvages: le New-Yorkais Julian Schnabel.

La poste(moderne) s’en va!

L’émergence de ce mouvement,bientôt appelé «postmodernisme», s’accompagne d’une nouvelle ouverture artistique, qui ne se contente pas de stimuler le marché de l’art, mais dont les artistes de la Biennale sauront aussi profiter avec des œuvres d’art ou des pavillons de plus en plus spectaculaires. Dans les années 1990, de plus en plus d’artistes ont intégré les pavillons dans leur travail artistique, comme Hans Haacke, qui a brisé les dalles de marbre au fond du pavillon allemand en 1993 et a ainsi donné un signal politique, ou Gregor Schneider, qui a construit un labyrinthe presque infini et angulaire au même endroit en 2001. C’est la même année que Maurizio Cattelan fait tomber son pape au sol, marquant ainsi un moment clé dans l’histoire de la Biennale. Il y en a beaucoup dans l’histoire de la Biennale. Dans l’édition de 2024, il y en aura probablement d’autres. 

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